Французская живопись в конце XIX века

В конце XIX века во французской живописи намечается резкое усиление индивидуалистических тенденций, связанное с кризисом реалистических традиций буржуазного общества. Художники, выступившие вслед за импрессионистами, в 1880 – 1890 годах, используют новое понимание колорита, введенное их предшественниками, но протестуют против той пассивной верности оптическим впечатлениям, которая лежала в основе импрессионизма. Они все решительней восстают против принципа объективного отображения реального мира и ищут новых средств передачи окружающей действительности. Но утрата единого эстетического критерия, общности метода приводила к тому, что их искусство неизбежно принимало субъективный характер. В обстановке индивидуалистической разобщенности, свойственной наступившей эпохе, представители нового поколения не могли объединиться в крупных, стойких художественных направлениях. Каждый по-своему искал новых путей. Быстро возникают и также быстро распадаются различные мелкие группировки, порождая ту пестроту, дробность, разнобой, которые столь характерны для художественной жизни Франции на рубеже двух столетий. Недаром этот период истории искусства получил довольно неопределенное название «постимпрессионизма».

Винцент Ван-Гог (1853-1890) прожил короткую драматическую жизнь.

Он болезненно ощущал социальное зло современного общественного строя, остро чувствовал свое бессилие в борьбе с ним, свое творческое одиночество. На произведениях Ван-Гога лежит печать трагического мироощущения. Образы реального мира неразрывно сплетены в них с переживаниями самого художника и выступают как носители его душевных драм, его тоски, надежд и отчаяния. Отсюда повышенная красочность, лихорадочная динамика мазка, утрировка форм, придающие его картинам, будь то взволнованные пейзажи Арля («Куст», «Арльские дамы») или полный затаенной тревоги Оверньский ландшафт («Хижины»), страстную, напряженную одухотворенность.

Смотреть на видео картины художника Винсента ван Гога

Поль Гоген (1848-1903) большую часть жизни провел на Полинезийских островах.

Он сознательно противопоставлял «продажной», как он говорил, цивилизации европейского общества простую бесхитростную жизнь первобытных племен. Он вникает в понятия и нравы туземцев,  усваивает их образ  жизни.  В  картине«Женщина, держащая плод» Гоген воспевает их горделивую независимость в величественном образе таитянской женщины. В пейзажах «Большое дерево». «Чудесный источник» раскрывает красочное великолепие девственной тропической природы.

Гоген вырабатывает новый художественный язык. Стремясь к декоративной монументальности, он обобщает формы, решительно отказываясь от светотеневой моделировки, накладывая цвет яркими ровными плоскостями, усиливая, тем самым, его звучание. В противоположность импрессионистам, Гоген точным линейным контуром очерчивает все предметы. В картине «Женщины на берегу моря» силуэты женских фигур четко и торжественно вырисовываются на пламенеющем фоне оранжевых извилистых пятен прибрежного песка. Гоген идет в своем искусстве не столько от непосредственных зрительных впечатлений, от внешней видимости вещей, сколько от внутреннего проникновения в окружающий его, столь непривычный для европейца, мир. И не случайно так очевидна близость его произведений к неевропейским художественным традициям: Индии, Египта, Полинезии. Гоген словно хотел доказать, что эстетические идеалы и представления,порожденные многовековой культурой других народов,в том числе и угнетенных народов колоний, на которых так свысока смотрели в Европе, равноправны в великом наследии художественных завоеваний человечества.

Проблемы цвета, задачи монументальной декоративной живописи занимали и Анри Матисса (1869-1954).

Матисс исходит в своем творчестве от живых впечатлений, от непосредственного соприкосновения с миром реальных форм. В картине «Люксембургский сад» он передает многоцветность осенней листвы, в натюрморте «Посуда и фрукты» – яркую окраску плодов, световые рефлексы на белом фарфоре посуды.

Смотреть на видео про художника Анри Матисса

Но он произвольно усиливает, «преувеличивает» естественную окраску предметов, придавал цвету предельную звучность. Когда Матисс и его единомышленники выставили свои работы в Осеннем салоне 1905 года, то необычайная красочность их картин так поразила публику и критиков, что за всей этой группой художников закрепилось прозвище «диких» – «фовистов», (от словаfauve- дикий). Действительно, цветовое воздействие картин    Матисса    чрезвычайно    сильно.     Он    обдуманно сопоставляет пятна открытого чистого цвета с таким расчетом,   чтобы  извлечь  из   каждого   максимум   его   колористических      возможностей.      Одновременно     Матисс обобщает, прощает формы, игнорирует, так же как Гоген, моделировку и перспективу, стремясь к крайнему  лаконизму,   «краткости»   всех  элементов   композиции.   Но Матисс сознательно односторонен в разработке новых колористических и пластических проблем. Цвет выступает в его произведениях, как совершенно автономная стихия; психологическое, драматическое содержание искусства полностью поглощается чисто живописными качествами произведения. Его «Натюрморт с голубой скатертью» или большое полотно «Красная комната» – это чисто декоративные произведения, где сила цвета доведена до невиданной до тех пор в европейской живописи интенсивности.

Смотреть на видео искусство Франции 19 века